컬처타임즈

보통 사람들은 “시간-time”은 과거(past)에서 현재(now)를 거쳐 미래(future)로 흘러가는 실제(fact)로 말하지만, 물리학자(physicist)들은 시간이 흐른다고 말하지 않는다. 여러 학설 중에 하나는 ‘모든 순간이 한꺼번에 얼어버린 얼음 덩어리’로 말하면서 시간은 인간의 편의에 따라 만들어진 인위적인 개념 혹은 환상(illusion)이라고 말하고도 있다. 새로운 패러다임의 시간 개념을 뒤로하고, 음악에서는 일단 현재를 기준으로 시간이 흐른다는 전제(precondition)속에 소리의 흐름을 기록하고, 그것을 재

우리는 일상에서 ‘time’이라는 쉬운 영어 단어를 가끔 사용한다. ‘시간-time’에 관계된 내용을 표현할 때 주로 사용하는 단어이다. 또한 현대인들은 ‘rhythm' 이란 음악적 단어도 자주 사용한다. 예를 들어 ‘생활의 리듬이 깨졌다, 리듬이 고르지 않다’ 등의 삶과 밀착된 표현들을 막연하게 사용하고 있다. 이처럼 음악과 결합된 다양한 표현들이 실제 음악 속에서 어떻게 사용되는지 2회 칼럼으로 여러분께 소개하고자 한다.* Time : 시간, 박자시간을 나타내는 이 단어는, 음악에서 1)시간 - duration을 말하기도 하지만

작곡(composition)을 전공하는 어느 음악도가 특정한 선율(melody)을 잘 만들어 레슨 시간에 가지고 갔는데 그의 스승(tutor)이 하는 말씀, ‘You should thank to God’이라 하셨다. 얼마 후에 그 만들어진 선율에 다양한 화음(chord)을 붙여 갔더니, 이번에도 그의 스승이 잘 했다고 칭찬하면서 이번에는 ‘You should thank to your mother’라고 했다고 한다. 이야기인 즉, 좋은 선율은 하늘로부터 오는 천부적인 것이기에 신에게 감사하고, 화음을 잘 붙일 수 있는 것은 어머니의

칼럼의 주제, 화음(和音)-chord는 높이가 다른 둘 이상의 음이 함께 울릴 때 어울리는 소리를 말하는 것으로, 협화음(consonant), 불협화음(dissonant) 등으로 표현한다.또한 화성(和聲)이라는 말도 사용하는데, 화성-harmony는 화음들의 조화 현상으로, 즉 화음이 연속적으로 나타나는 것으로, 이 화음에 기초를 두어 그 여러 가지 원리를 다루는 기술적인 학문을 화성학(和聲學)-harmony이라 한다. 지난번 고찰한 음정-interval도 넓은 의미로 볼 때 화음의 범주에 속한다. 이 화음의 형성은 신이 우리 인간

요즈음 성인들이 주로 즐기는 대중음악 트로트(trot)의 잔치-미스터 트롯, 미스 트롯을 보면 한국인들이 얼마나 음악을 즐기고 좋아하는지 알 수 있다. 그런데 음악에 눈뜨기 시작하는 어린이부터 성인들까지 음악이론(music theory)은 싫어한다. 그것도 기초이론(rudiment of music) 중에서 지금 다루는 이 음정-interval을 다루게 되면 거의 다 싫어하게 되고, 그때부터 음악이론은 골치 아픈 것이라는 trauma가 작동한다. 필자도 중학교 시절에 그러했는데 왜 이런 것들을 배워야 하는지, 이것을 배워 무엇에 사용

한국 음악인들 중에서 많은 사람들이 오류를 범하며 사용하는 음악 용어(musical term)가 있는데, 그것 중에 하나가 오늘 다루고자 하는 ‘음정-interval’이다. 한국어로 ‘음정(音程)’이란 단어는, 국어사전을 아무리 찾아봐도 ‘특정한 두 음(sound, pitch) 간의 거리’라는 표현밖에 없다.물론 영어에는 여러 가지 뜻이 있지만, 이 단어를 사용할 때 보통 조율(tuning)이나 연주(performance)에 있어서 ‘음정이 안 맞는다’라고 표현하는 경우가 종종 있는 데, 이는 한 음에 대해 ‘두 음 사이의 거리가

지난번 칼럼까지 장음계(major scale), 단음계(minor scale), 그리고 음계의 일종인 선법(mode)에 대해 살펴보았다. 앞서 소개한 것들은 고대로부터 17세기 바로크 시대(1600-1750) 초기까지 정리되어 음악문화의 꽃을 피워 왔다면, 오늘 소개하는 7종류의 음계들은 대부분 그 후에 생성되어 고전음악(classical music) 뿐만 아니라 현대음악(modern music)에서 많이 사용된다. 이제 그것들의 면모를 소개하고 음계를 마무리하고자 한다. a. pentatonic scale - 5음 음계 :5의 뜻

선법(mode)은 음악적인 여러 가지 뜻이 있지만, 음계-scale의 일종으로서의 내용을 중심으로 접근하고자 한다. 때론 major mode-장음계, minor mode-단음계를 언급하는데 이는 선법이 지닌 음계의 속성(屬性)을 나타내어 그렇게 부르고 있다.* Greek modes 고대 그리스의 음악 이론가 아리스토크세누스(Aristoxenus)는 B.C. 330년경에 ‘화성의 기초-Harmonics Elements'라는 저서를 남겼다. 그는 이 책에서 음계에 관한 이론을 체계적으로 정리하고 있다.즉, 음계는 하행하는 tetra c

지난 여러 칼럼을 통하여 음악에서 선율(melody)과 화성(harmony)의 구성모체인 음계-scale에 대하여 소개하였다. 높이가 다른 8음들을 한 줄로 나란히 세울 때, 음들 간에 균형이 있으며 밝은 느낌의 장음계(major scale), 멜랑꼴리한 분위기를 나타내는 감성적인 단음계(minor scale)를 소개하며 그것들의 여러 면모를 음미하였다. 오늘은 음계를 이루는 한 옥타브(octave) 안의 전체 음, 음들 사이가 고르게 균형 잡힌(symmetrical) 12개의 반음-half step, semitone으로 엮어진 반

필자는 어린 초등학교 시절에 몇몇 곡의 동요(童謠-children song)를 부르며 자라났다. 그 동요들의 가사(text)가 머릿속에 지금도 생생하고, 그것들의 선율(tune)이 동시에 계명창(solmization)으로도 함께 흘러나오기도 한다.2/4 미솔솔파 미솔솔파 미 솔 파 레파파미 레파파미 레 파 미 도도미솔 도 라 솔솔라 솔 미솔솔파 미솔솔파 미 레 도 이렇게 노래를 부르면서 이 노래의 계명(syllable names)이 영어가 아니고 이태리어라는 것을 알게 된 것은 아마도 한참 시간이 흐른 후였다. 또한 musical

우리는 변화되는 삶의 연결고리 속에 살아가고 있다. 외적인 혹은 내적인 영향을 받으며 그에 따른 감정과 행동의 다양한 변화 속에 살아가지만 때론 그것조차 지루한 것으로 느끼고 살아갈 수도 있다. 그동안 장조(major key)와 장음계(major scale)에 대하여 여러 시간을 나누었다.오늘 다루고자 하는 단음계(minor scale)는 일상적인 삶의 단조로움을 피하여 표출된 소리의 형태가 될 수 있다. 많은 사람들이 장조는 밝고 편안한 느낌이 있으며 단조는 슬픈, 어두운 느낌의 음악을 만들어 간다고 말한다. 그러나 해가 돋은 맑

지난 칼럼에서 설명한 장음계-major scale를 정리하면서 꼭 알아야 할 사항이 있다.우리는 음악에서 ‘조-key’ 혹은 ‘조성-tonality’이란 말을 사용하는데 많은 사람들은 대개의 의미를 어렴풋이 인식하며, 전공자들도 특정한 곡을 대할 때 자주 사용하지만 분명하게 설명하기는 어렵게 느껴지기도 한다.음악에서 조(調)와 조성(調性)은 비슷한 내용의 의미를 가지고 있으나 실제로는 차이가 있다. key는 조성음악에서 특정한 음계의 주음(key note)을 중심해서 그 이름을 규명(identify) 한 것이라면, tonality는

노래가 넘쳐나기 시작하는 계절이다.해가 바뀌는 모퉁이에 서서 시간의 흐름을 아쉬워하며 또 다가오는 시간들에 대하여 삶의 희망을 담아보는 노래들이다. 이 노래들을 노래(melody)되게 만드는 것의 중요한 요소 중에 하나인 음계(scale) 중에서 가장 보편적으로 사용되는 장음계-major scale를 소개하고자 한다.장음계, 단음계를 묶어서 온음계( diatonic scale), 혹은 전음계(全音階)라 부른다.이 단어는‘dia+tonic’로 구성되는데, ‘dia=through-통하여’라는 의미와, ‘tonic=tonal center

오늘 칼럼의 주제 ‘scale'이라는 단어는 명사(noun)만 해도 다음과 같이 많은 뜻이 있다 : 1) 눈금, 저울 눈 2) 규모, 등급 3) 저울, 천칭의 접시 4) 비늘, 딱지, 치석 그 외에 동사(verb)에도 위의 명사들을 활성화(activate)는 여러 뜻이 함께 가고 있다. 이러한 내용을 기억하면 현대인으로서의 자존감이 더 해 지겠고, 전문 음악인 혹은 음악 애호가들은 “음계”가 “scale”이란 것을 꼭 기억하고 가야 되겠다.음악에서 사용되는 음계-scale은 오랜 세월을 두고 여러 민족 속에 다양하게 형성되어 왔다.

우리는 온 우주의 소리(sound)를 안고 살고 있다. 아니 우주의 소리가 우리 인간을 품고 함께 공존하고 있다고 말하는 것도 좋겠다. 지구 안에 있는 자연의 미세한 바람 소리, 곤충 소리부터 시작하여 천둥과 같은 엄청난 소리들, 우주에 있는 천체들의 움직임 등 연속되는 소리들이다. 특별히 철학자들은 인간의 몸과 영혼에서도 소리로 구성되는 음악을 느끼고 인식했으니 Boetious가 말한 “Musica Humana-인간의 음악”이다. 이 무수히 존재하는 소리들 중에서 몇몇의 악음(樂音)-musical tone을 선택하여 의미를 담기

인류는 역사시대 이후부터 문자(letter)를 사용하기 시작하여 문화와 문명의 꽃을 활짝 피우게 되었다. 주로 구전(oral tradition)으로 전달되던 음악적 유산도 기보법-notation이 창안됨으로 해서 새로운 지평을 열었으며 귀한 유산을 공유하고 발전시켜 오늘날 우리들의 음악 자산을 소유하게 되었다. 기보법의 내용은 음악을 기록할 수 있는 공간을 구체화하여 여러 가지 상징(symbols)과 기호(signs)로 실제적인 음고(pitch)와 리듬(rhythm) 등을 기록해 내는 일이다. 서양음악에서 나타난 이 기보법의 발달