컬처타임즈

어느 빨강 머리를 가진 한 사람이 미사(mass) 시간에 성당 한구석에서 바이올린을 열심히 켜고 있었다. 엉뚱한 일이었지만, 그는 몸이 약한 이유로 성무(聖務)에 면제를 받고 있던 Vivaldi라는 사제(priest)이며 음악가였다. ‘빨강 머리 신부’라고 불리었던 비발디는 Venice의 Ospedale della Piata 등의 활동이 매우 두드러졌는데, 음악역사가 Charles Burney는 1770년 이태리를 방문하고 '소녀들의 hospital’과 ‘conservatory’에서 그의 음악교육적인 활약상을 소개하고 있다. 영단어

현악기 중에서 좋은 바이올린의 값은 매우 비싸다는 걸 독자들은 아시리라 생각된다. 조그만 악기가 모양도 아름답지만 때론 그 값이 수십억 된다는 사실에 우리는 경악(astonishment) 하고 있다. 음악을 사랑했던 장인들이 혼을 바쳐 만든 악기들의 진가, 즉 예술을 향한 육체적, 정신적인 노력의 결정(crystallization)들이 그렇게 인정받고 있다. 오늘 칼럼은 바로크 시대에 개발되고 사용된 중요한 악기들을 먼저 소개하고 이 악기들을 매체(medium)로 하여 만들어진 음악적 내용과 형식을 간단히 다루고자 한다.* Inst

바로크 시대 음악의 큰 특징 중에 하나는 성악(vocal)과 기악(instrumental)의 균형에 있다. 르네상스시대까지는 교회를 중심으로 한 성가, 즉 성악이 크게 발전하여 음악문화의 중심을 이루었다면, 바로크 시대에는 기악 음악의 양과 질적으로 더욱 발전하여 우리가 좋아하는 Vivaldi의 ‘The Four Seasons - 사계'와 같은 기악 음악의 레퍼토리들을 갖게 되었다. 바로크 음악의 큰 산물이 성악이 중심이 되어 기악이 보조적으로 결합되는 라고 할 수 있으며, 종교적으로는 가 이에 필적(be eq

이 음악 칼럼의 독자 여러분은 대개 음악의 한 장르 의 뜻을 알고 계시리라 생각된다. 이는 ‘음악으로 하는 연극’ 혹은 ‘가극(歌劇)’의 종합예술이다. 그러나 한 가지 더 기억할 것은 1650년경에 정착된 ‘opera’라는 이 용어는 이태리어로 "opera in musica - work in music"로 여기서 ‘work’는 ‘음악작품’이며 직역하면 ‘음악 안에 작품’이다. 또한 opera는 ‘opus-작품번호’의 복수(plural)형으로 즉, 여러 소품이 모여서 하나의 큰 작품을 이루어 오페라의 명칭이 만들어졌다. 무대

사회적인 격동 속에 나타난 바로크 음악은 초기의 ‘Baroque’라는 의미와는 달리 다양한 음악적 장르(genre)와 매체(medium), 기법(technique)과 형식(form)을 갖추며 생성된 역동적인(dynamic) 음악이다. 그 시대의 회화나 건축물에서 보듯이 웅장함, 섬세함, 조화로움 등은 ‘a pearl of irregular shape-삐뚤어진 진주’로 표현한 역사가들의 논평처럼 그 귀중한 가치적 본질(core)에 잘 접근하고 있다. 이에 바로크 예술의 동질성(homogeneity)을 가지고 나타나는 음악적인 모습들을

지난 칼럼까지 긴 음악의 흐름, 기원후 1600여년 정도의 음악 내용인 교회음악(sacred music)과 세속음악(secular music), 성악(vocal music)과 기악(instrumental music), 그리고 음악구성의 조직(texture)인, 단성음악(monophony)과 다성음악(polyphony)을 소개했다. 서양음악 발달의 획기적인 출발점인 9세기경의 과 의 출현에서부터, 14세기경에 이르러서는 몇몇 작곡가의 이름과 다성부 작품들이 나타난다. 그 후 200여 년이 지난 르네상스, 16세

일반적으로 하면 이태리 작곡가 Palestrina(c.1524-94)의 화려한 무반주합창곡(a capella)이 떠오른다고 말할 수 있다. 그만큼 그 시대의 성악음악(vocal music)이 기악음악보다 양(quantity)이나 질적인 수준(quality)에 있어서 월등하기 때문이다. 그럼에도 불구하고 이 시대에 기악음악을 살펴보는 이유는 음악의 중요한 두 매체(medium) 즉, 성악과 기악의 각각 독립된 역할(independent roll)이 나타나기 때문이다. 중세기 기악이 주로 성악의 일부를 대치(substi

오랜 역사 속에 인간들은 음악과 함께 생활하면서 음악적인 변화와 발전을 크게 이루었으며 그중에 하나가 악기를 통해 연주되는 기악음악(instrumental music)이다. 고대부터 지금까지 음악에 관계한 사람들은 기악음악에서 소리(sound)의 발생(occurance)과 공명(resonance)에 대한 원리(principle)를 간과(看過)해서는 안 되는 필수 요소(element)로 생각하고 있다.중세시대(middle age)에 일반인과 귀족들의 생활 가운데서 기회가 있을 때마다 악기를 즐겨왔지만, 특히 두드러지게 활동하던 음유시

1517년 유럽, 1천 년(millenium) 이상을 도도히 흐르던 기독교 신앙의 큰 물줄기가 나누어 흐르게 된다. 이른바 역사가들이 ‘종교개혁-Reformation’이라고 부르는 이 큰 사건의 주인공은 당시의 기독교 사제(priest)이며 신학자(theologian)이었던 Martin Luther로서 그는 교회사의 큰 나뉨의 획(stroke)을 그었다.오늘 칼럼은 이 종교적인 사건의 배경이나 가치 또는 평가를 말하기보다는 이 종교개혁의 영향으로 말미암아 나타나는 음악적인 흐름을 조명하고자 한다. 일반적으로 기독교음악(christi

보통 지식을 가진 사람은 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci)의 이름과 그 작품들을 기억하고 있다. 르네상스 시대의 예술가이며 과학자로서 경이적인 창의성으로 인간의 삶에 비전을 제시한 역사적 인물이기 때문이다. 더불어 그와 함께 동시대를 살았던 뛰어난 인물들 즉, Erasmus, Michelangelo, Shakespeare, Sir Drake, Galielo, Luther 등 각 분야에 새로운 세계를 구축하고자 했던 많은 인물들의 공헌을 간과해서는 안 된다. 그러나 당시의 음악예술은 아쉽게도 다른 분야에 비해 상대

그리스 기원을 가진 'Renaissance'란 말은 ‘문예부흥’ 즉, 그리스, 로마 문화를 이상으로 하여 새 문화를 창출해 내려는 운동으로 ‘부활(resurrection), 재생(rebirth)’을 뜻한다. 시대의 지적인 깨어남을 의미하는 아름다운 단어이지만 그 시대에 갑자기 일어난 운동이라는 오해를 불러일으키는데, 이는 역사의 연속성을 고려하지 않을 때 이런 문제에 부딪힌다고 역사가들은 말한다. 부언하면 르네상스는 일반적으로 14-16세기 유럽의 학문과 예술 분야에서 나타난 운동으로 중세의 신본주의(theistic world vi

중세의 후반 14세기경, 영국과 프랑스 사이의 백년전쟁(Hundred Year's War)과 대 흑사병(Great Plague)이 일어난 대 재앙으로 유럽의 많은 사람들이 죽어가고 있었다. 한편 봉건 귀족 중심의 사회가 쇠락하고 중산층(middle classes)들이 생겨나는 가운데 교회와 국가, 종교와 과학의 분리가 일어나고, 기독교의 타락과 교황권(papacy)이 둘로 분리되었다. 이러한 많은 사회적인 동요(turmoil)와 변화는 인문주의(humanism) 운동인 문예부흥(Renaissance)을 이끌어 내는 원인이 되었다.이

유럽의 12세기 중반부터 13세기 말까지의 예술을 Ars Antiqua - Old Art라고 알려졌는데, 이는 후대 14세기 음악가들에 의해 그들의 신예술(Ars Nova-New Art)과 비교하여 그렇게 불렀다고 전하여진다. 이 시기는 중세의 어둠을 탈피하려는 유럽 사회의 변혁인 몸틀음이 조금씩 드러나고 있다. 예를 들면 성지 Jerusalem 탈환을 위한 십자군 전쟁(Crusades), 고딕 성당의 건축, 기사(knight)의 시와 노래, 대학의 설립, 봉건주의(feudalism) 체제 등이 그 특징적이며, 종교적으로 St. F

단성음악(monophony), 다성음악(polyphony)이란 말은 일반인들에게는 좀 어렵게 느껴질 것이라 생각한다. 쉽게 설명하면 단성음악은 독창(solo), 다성음악은 중창(ensemble)이나 합창(chorus)이라고 생각하면 된다. 여러 사람이 모여서 같은 멜로디를 노래(unison)할 수 있지만 성부(part)를 나누어 노래하는 것은 극히 적은 경우라고 생각된다. 즉 이때는 소리의 기술적인 결합이 필요하다는 뜻이다. 이처럼 소리를 나누어 연주할 때 더 큰 즐거움을 느끼는 감각의 발상 전환은 참으로 놀랍고 신비한 일이다. 회

필자가 고전음악에 관심을 갖기 시작할 청소년 시절에 크게 감동을 느낀 곡 중에 하나는 오케스트라 반주가 있는 합창곡으로서, 다양한 음악적 내용으로 구성되는 cantata인데, 제목은 라는 근대 독일 작곡가 Carl Orff(1895-1982)의 곡이었다. 지금처럼 발달된 매체로 들은 것이 아니라, 형수가 나에게 선물해준 작은 transistor radio를 통해서였다. 이 작품은 중세의 수도원에 보관되었던 것으로, Goliard라고 부르는 중세의 방랑하는 수도사(vagrant monk)들의 시에서 나온

로마의 쇠퇴기에 활동한 정치가이며 철학자인 Boethius(475-525)는 라는 책을 썼다. 음악 이론가(music theorist)이기도 했던 그는 고대 그리스의 철학자들, Pythagoras, Plato 등의 음악에 대한 이론과 사상을 흡수, 정리하면서 음악에 대한 소견을 피력하였다. 그의 저술은 종교적인 음악의 측면보다는 음악전체에 철학적인 면, 특히 고전적 음악의 사고(classical musical thought)에 대해 이야기하고 있지만, 오늘의 주제인 세속음악-s